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SUMMARY:Gestos pedagógicos menores: tecnologías textiles andino-mapuche como resistencia al extractivismo colonial y la crisis climática en la educación de diseño
DESCRIPTION:Minor Pedagogical Gestures: Andean-Mapuche Textile Technologies as Resistance to Colonial Extractivism and the Climate Crisis in Design Education\nAbout this session\nEsta ponencia propone la enseñanza de tecnologías textiles andino-mapuche como gestos pedagógicos menores que resisten la crisis climática y el extractivismo colonial del fast fashion. Basado en diez años de práctica-como-investigación en educación de diseño en Chile\, articula una metodología de “desensamblaje cuidadoso” de sistemas pedagógicos coloniales estructurada en seis tópicos no cronológicos: materias primas\, tecnologías textiles\, tipología de tejidos\, lógicas constructivas\, uso del vestido y devenir/desuso/exhibición. Estos gestos\, entendidos como actos de desobediencia institucional\, rechazan las métricas productivistas\, la velocidad como valor pedagógico y el objeto-producto como único resultado válido. La propuesta\, anclada en el concepto de “crianza mutua” (Espejo\, 2013)\, opera como “paracaídas” (Krenak\, 2020) que desacelera las velocidades industriales. Situada en las luchas anti-extractivistas mapuche\, práctica la “huelga ontológica” (Mombaça\, 2021): movimientos provisionales\, localizados y subversivos hacia futuros habitables frente al colapso climático. Frente a la violencia del extractivismo global y la homogeneización del fast fashion\, el tejido a mano se revela no como gesto romántico\, sino como acto de soberanía material y resistencia pedagógica situada. \n\n This paper proposes teaching Andean-Mapuche textile technologies as minor pedagogical gestures that resist the climate crisis and the colonial extractivism of fast fashion. Drawing on ten years of practice-as-research in design education in Chile\, it articulates a methodology of “careful disassembly” of colonial pedagogical systems\, structured around six non-chronological topics: raw materials\, textile technologies\, weave typology\, constructive logics\, the use of clothing\, and becoming/disuse/exhibition. \nThese gestures\, understood as acts of institutional disobedience\, reject productivist metrics\, speed as a pedagogical value\, and the object-product as the only valid outcome. The proposal\, grounded in the concept of “mutual raising” (Espejo\, 2013)\, operates as a “parachute” (Krenak\, 2020) that slows industrial speeds. Situated within Mapuche anti-extractivist struggles\, it practices the “ontological strike” (Mombaça\, 2021): provisional\, localized\, and subversive movements toward habitable futures in the face of climate collapse. In the face of the violence of global extractivism and the homogenization of fast fashion\, hand-weaving reveals itself not as a romantic gesture\, but as an act of material sovereignty and situated pedagogical resistance. \nSession type: Paper \nPresenters\n\nPaola Melina Rapimán Risco\, Profesora adjunta\, Universidad Andrés Bello (Adjunct Professor)\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Diseñar desde el Caribe: Euro Centralización en la moda local
DESCRIPTION:Designing from the Caribbean: Eurocentralization in Local Fashion\nAbout this session\nLa moda contemporánea se desarrolla dentro en un sistema global históricamente articulado en torno a centros culturales específicos\, principalmente en Europa y Norteamérica. Este modelo ha contribuido a establecer parámetros estéticos y mecanismos de validación que influyen directamente en cómo se piensa\, produce y valora el diseño en distintos contextos. En este marco\, la presente ponencia propone reflexionar sobre qué significa ejercer una práctica de diseño desde el Caribe frente a estas dinámicas. Desde mi experiencia como diseñador y director creativo basado en Santo Domingo\, exploré cómo el contexto urbano\, la cultura popular y la observación cotidiana pueden funcionar como herramientas de investigación dentro del proceso creativo. A través del uso de fotografía\, archivo personal e interpretación del entorno\, propongo entender el diseño no solo como producción de objetos\, sino como una práctica de lectura y traducción de nuestros elementos culturales al ámbito de la moda. Desde esta perspectiva\, diseñar desde el Caribe implica negociar entre referencias globales y nuestras realidades locales\, permitiendo que el contexto nos dicte nuevas narrativas visuales. La presentación busca abrir una conversación sobre cómo las prácticas situadas pueden cuestionar estructuras eurocéntricas y contribuir a la construcción de identidad dentro del diseño contemporáneo y local. \n  \nContemporary fashion operates within a global system historically structured around specific cultural centers\, primarily in Europe and North America. This model has helped establish aesthetic parameters and validation mechanisms that directly influence how design is conceived\, produced\, and valued across different contexts. Within this framework\, this talk proposes to reflect on what it means to practice design from the Caribbean in relation to these dynamics. Drawing on my experience as a designer and creative director based in Santo Domingo\, I explore how urban context\, popular culture\, and everyday observation can function as research tools within the creative process. Through the use of photography\, personal archives\, and interpretation of the surrounding environment\, I propose understanding design not only as the production of objects\, but as a practice of reading and translating our cultural elements into the realm of fashion. From this perspective\, designing from the Caribbean means negotiating between global references and our local realities\, allowing context to dictate new visual narratives. This presentation seeks to open a conversation about how situated practices can challenge Eurocentric structures and contribute to building identity within contemporary\, local design. \nSession type: Design Your Own (DYO) \nPresenters\n\nErick Lemos\, Diseñador de modas (Fashion Designer)\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:From Silos to Systems: rethinking design education for contemporary practice
DESCRIPTION:De los silos a los sistemas: repensar la educación en diseño para la práctica contemporánea\nAbout this session\nAs design increasingly operates across physical and digital systems\, higher education must evolve beyond siloed disciplinary models. In response to evolving industry demands\, this panel brings together faculty from three departments and two colleges to examine the past\, present\, and future of cross-disciplinary design education. Panelists will begin describing what has been accomplished within their shared institutional context: longstanding and ongoing collaborations\, shared curriculum\, and pedagogical overlaps that have laid the groundwork for integration. The discussion will shift to what is currently underway—highlighting the opportunities\, challenges\, and practical realities of merging Communication Design and Industrial Design into a shared Department of Design\, strengthening partnerships with Computer Science\, and navigating the transition of a program from a Department of Art into a Department of Design within a different college. Finally\, the panel will explore what could and should come next\, considering how design education might better respond to global\, networked contexts through expanded collaboration and emerging technologies. The session aims to bring together shared perspectives from design educators navigating similar transitions and opportunities. Rather than presenting a single solution\, the session invites critical discussion around how academic institutions can move from fragmented structures toward more integrated and future-facing design ecosystems. \n  \n A medida que el diseño opera cada vez más a través de sistemas físicos y digitales\, la educación superior debe evolucionar más allá de los modelos disciplinarios aislados. En respuesta a las demandas cambiantes de la industria\, este panel reúne a docentes de tres departamentos y dos facultades para examinar el pasado\, presente y futuro de la educación en diseño interdisciplinario. Los panelistas comenzarán describiendo lo que se ha logrado dentro de su contexto institucional compartido: colaboraciones de larga data y en curso\, currículo compartido y superposiciones pedagógicas que han sentado las bases para la integración. La discusión pasará luego a lo que está actualmente en marcha —destacando las oportunidades\, desafíos y realidades prácticas de fusionar Diseño de Comunicación y Diseño Industrial en un Departamento de Diseño compartido\, fortalecer las alianzas con Ciencias de la Computación\, y transitar un programa de un Departamento de Arte hacia un Departamento de Diseño dentro de una facultad distinta. Finalmente\, el panel explorará lo que podría y debería venir después\, considerando cómo la educación en diseño podría responder mejor a contextos globales y conectados en red mediante una colaboración ampliada y tecnologías emergentes. La sesión busca reunir perspectivas compartidas de docentes de diseño que atraviesan transiciones y oportunidades similares. En lugar de presentar una única solución\, la sesión invita a una discusión crítica sobre cómo las instituciones académicas pueden pasar de estructuras fragmentadas hacia ecosistemas de diseño más integrados y orientados al futuro. \nSession type: Panel \nPresenters\n\nShawn Meek\, Professor of Communication Design\, Metro State University of Denver\nJinseup (Ted) Shin\, Dean of the College of Aerospace\, Computing\, Engineering and Design\, Metro State University of Denver\nLisa Abendroth\, Professor of Communication Design\, Metro State University of Denver\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Art\, Design & GenAI: An Educator's Toolkit
DESCRIPTION:Arte\, diseño e IA generativa: caja de herramientas para docentes\nAbout this session\nThis session shares the development of Art\, Design & Artificial Intelligence: An Educator’s Toolkit\, across institutional projects created by colleagues at three UK Universities. The toolkit emerged from a live industry project with Liberty London Fabrics\, co-created with students and staff from across the UK. Structured around four stages of the creative workflow – Research\, Idea Generation\, Experimentation & Iteration\, and Design Communication. Insights from this live industry project informed session plans and activities available within the toolkit. The printable ‘Spark Cards’ scaffold critical reflection on themes and values such as AI as a tool for creative enhancement\, Balancing craft and automation\, Collaboration over substitution\, Human Creativity first\, Ethical and critical engagement\, Critical and ethical enquiry\, Inclusive GenAi adoption\, Transparency and responsible use\, Future ready design practice\, Creative resilience in a changing industry and Experimentation and playfulness.  \nThe session will walk you through the project findings\, the teaching activities and the framework that arose from the work. You will play with the Spark cards in small groups to understand their adaptability and reflect on designing AI integrated pedagogy that prioritises agency\, inclusivity and future-oriented creative resilience.\n \n  \nEsta sesión presenta el desarrollo de Art\, Design & Artificial Intelligence: An Educator’s Toolkit (Arte\, Diseño e Inteligencia Artificial: una Caja de Herramientas para Docentes)\, un proyecto interinstitucional creado por colegas de tres universidades del Reino Unido. La caja de herramientas surgió de un proyecto real con la industria\, en colaboración con Liberty London Fabrics\, co-creado con estudiantes y personal de distintas partes del Reino Unido. Está estructurada en torno a cuatro etapas del flujo de trabajo creativo: Investigación\, Generación de Ideas\, Experimentación e Iteración\, y Comunicación del Diseño. Los aprendizajes de este proyecto con la industria dieron forma a los planes de sesión y actividades disponibles dentro de la caja de herramientas. Las imprimibles “Spark Cards” (tarjetas detonantes) estructuran una reflexión crítica sobre temas y valores como la IA como herramienta de potenciación creativa\, el equilibrio entre oficio y automatización\, la colaboración por encima de la sustitución\, la creatividad humana en primer lugar\, el compromiso ético y crítico\, la indagación crítica y ética\, la adopción inclusiva de la IA generativa\, la transparencia y el uso responsable\, la práctica de diseño preparada para el futuro\, la resiliencia creativa en una industria cambiante\, y la experimentación y el juego.  \nLa sesión recorrerá los hallazgos del proyecto\, las actividades didácticas y el marco que surgió de este trabajo. Los participantes jugarán con las Spark Cards en grupos pequeños para comprender su adaptabilidad y reflexionar sobre cómo diseñar una pedagogía integrada con IA que priorice la agencia\, la inclusión y la resiliencia creativa orientada al futuro. \nSession type: Case Study \nPresenters\n\nNatalie Brown\, Deputy Dean\, Nottingham Trent University\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:The Technology of Theatre: rehearsing attention and connection in a world distracted
DESCRIPTION:La tecnología del teatro: ensayar la atención y la conexión en un mundo distraído\nAbout this session\nTheatre is one of the oldest technologies humans have for practicing attention\, presence\, and connection. Yet many people\, particularly outside the arts\, have had little or no access to it\, despite a clear need for the capacities it cultivates.  \nThis session introduces theatre not as performance\, but as a practical method for learning. It explores how simple theatrical structures can help individuals develop attention\, become more at ease in interaction\, and engage with others in a more direct and tangible way. Through guided exercises\, participants will experience how these methods create conditions for connection and belonging\, while recovering forms of human exchange that have thinned in today’s cultural and digital life. \nThe session is designed as a participatory experience rather than a presentation\, allowing the method to be directly encountered. It offers a clear\, transferable approach that can be applied across educational\, professional\, and community settings. \n  \nEl teatro es una de las tecnologías más antiguas que tienen los seres humanos para practicar la atención\, la presencia y la conexión. Sin embargo\, muchas personas\, especialmente fuera del ámbito artístico\, han tenido poco o ningún acceso a él\, a pesar de la clara necesidad de las capacidades que cultiva.  \nEsta sesión presenta el teatro no como actuación\, sino como un método práctico de aprendizaje. Explora cómo estructuras teatrales simples pueden ayudar a las personas a desarrollar la atención\, sentirse más cómodas en la interacción y relacionarse con otros de manera más directa y tangible. A través de ejercicios guiados\, los participantes experimentarán cómo estos métodos crean condiciones para la conexión y el sentido de pertenencia\, al tiempo que recuperan formas de intercambio humano que se han debilitado en la vida cultural y digital actual.  \nLa sesión está diseñada como una experiencia participativa más que como una presentación\, permitiendo que el método se viva directamente. Ofrece un enfoque claro y transferible que puede aplicarse en contextos educativos\, profesionales y comunitarios. \nSession type: Design Your Own (DYO) \nPresenters\n\nBarbie Insua\, Founder & Director\, More Than Strange / More Than Story\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Sin margen de error: del concepto a la ejecución en el diseño latino global
DESCRIPTION:No Margin for Error: From Concept to Execution in Global Latino Design\nAbout this session\nLa movilidad global no es un fenómeno nuevo\, pero diseñar para una audiencia internacional desde un contexto local sigue siendo un reto complejo y en constante evolución. Este estudio de caso explora cómo el diseño latinoamericano puede operar como un lenguaje global a través de proyectos desarrollados para clientes internacionales. Se centra en la traducción de distintas visiones culturales hacia una ejecución precisa\, desde el concepto inicial\, pasando por los planos\, hasta su materialización en el espacio construido. En estos contextos\, el mayor riesgo no es la diferencia cultural\, sino la falsa sensación de entendimiento entre las partes. Las suposiciones\, más que la falta de creatividad\, son la principal fuente de error. Aunque las herramientas digitales han facilitado la comunicación\, la alineación real sigue dependiendo de la claridad\, la revisión constante y la precisión en cada etapa del proceso. A partir de una metodología orientada al detalle\, se plantea cómo los materiales locales y la mano de obra pueden responder a estándares internacionales sin perder identidad. Finalmente\, se propone entender el diseño latino no como una expresión regional\, sino como una voz relevante dentro de la conversación global del diseño. \n\n Global mobility is not a new phenomenon\, but designing for an international audience from a local context remains a complex and constantly evolving challenge. This case study explores how Latin American design can operate as a global language through projects developed for international clients. It focuses on the translation of different cultural visions into precise execution\, from the initial concept\, through technical drawings\, to its materialization in built space. In these contexts\, the greatest risk is not cultural difference\, but the false sense of understanding between parties. Assumptions\, rather than a lack of creativity\, are the main source of error. Although digital tools have made communication easier\, real alignment still depends on clarity\, constant review\, and precision at every stage of the process. Building on a detail-oriented methodology\, the talk considers how local materials and craftsmanship can meet international standards without losing identity. Finally\, it proposes understanding Latino design not as a regional expression\, but as a relevant voice within the global design conversation. \nSession type: Case Study \nPresenters\n\n José Pablo Jiménez González\, Profesor Asociado\, CHAVÓN La Escuela de Diseño (Associate Professor)\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Transforming Learning Cultures Through Hybrid Studios Across and Beyond Borders
DESCRIPTION:Transformar las culturas de aprendizaje mediante talleres híbridos a través y más allá de las fronteras\nAbout this session\nThis contribution presents an international\, hybrid teaching project co-designed and co-taught by faculty from universities in Germany and the United States. The six-week\, studio-based format embeds intercultural collaboration directly into existing curricula\, connecting students across institutions\, time zones\, and disciplinary contexts. In doing so\, it advances a model of pedagogy without borders—one that actively engages local-global dynamics and diverse ways of learning\, communicating\, and making.  \nDesigned as a participatory\, inquiry-based environment\, the project reconfigures faculty roles as facilitators and positions students as co- creators of knowledge within a distributed\, multilingual setting. Across two iterations over the past two years\, it has evolved as an adaptive framework responsive to institutional constraints and opportunities.  \nDrawing on these iterations\, the project identifies transferable design principles for scaling high-quality hybrid teaching and fostering sustainable\, collaborative learning cultures across institutions. It demonstrates how student-centered\, intercultural approaches can extend beyond isolated partnerships toward more resilient and connected models of transnational education. \n  \nEsta contribución presenta un proyecto de enseñanza híbrido e internacional\, co-diseñado y co-impartido por profesorado de universidades de Alemania y Estados Unidos. El formato\, basado en taller y con una duración de seis semanas\, integra la colaboración intercultural directamente en los planes de estudio existentes\, conectando a estudiantes de distintas instituciones\, husos horarios y contextos disciplinarios. Al hacerlo\, avanza hacia un modelo de pedagogía sin fronteras\, que involucra activamente las dinámicas locales-globales y las diversas formas de aprender\, comunicar y crear. \nDiseñado como un entorno participativo y basado en la indagación\, el proyecto reconfigura el rol del profesorado como facilitador y posiciona a los estudiantes como co-creadores de conocimiento dentro de un entorno distribuido y multilingüe. A lo largo de dos iteraciones en los últimos dos años\, ha evolucionado como un marco adaptativo\, sensible a las limitaciones y oportunidades institucionales. \nA partir de estas iteraciones\, el proyecto identifica principios de diseño transferibles para escalar una enseñanza híbrida de alta calidad y fomentar culturas de aprendizaje colaborativo y sostenible entre instituciones. Demuestra cómo los enfoques interculturales centrados en el estudiante pueden extenderse más allá de colaboraciones aisladas hacia modelos de educación transnacional más resilientes y conectados. \nSession type: Case Study \nPresenters\n\nClaudia Roeschmann\nElisabeth Kaliva\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Del Trazado Obsesivo a la Narrativa Gráfica: emprendimiento en el Espectro Autista
DESCRIPTION:From Obsessive Mark-Making to Graphic Narrative: Entrepreneurship on the Autism Spectrum\nAbout this session\nEste estudio de caso analiza el proceso pedagógico de una adolescente en el espectro autista durante la creación de un cómic original. La investigación aborda la tensión entre la rigidez gráfica – caracterizada por la resistencia al cambio de líneas y fijaciones temáticas- y la necesidad de evolución técnica. A través de una metodología basada en el Diseño Universal para el Aprendizaje (DUA)\, se implementaron estrategias de diferenciación que permitieron transmutar la fijación en una ventaja competitiva. El proyecto documenta la evolución artística “paso a paso” y destaca un cambio de paradigma: incentivar un pensamiento orientado al modus vivendi y la idea de negocio. Este avance fue posible gracias a un ecosistema de apoyo compuesto por la madre y su círculo social. Se concluye que\, mediante acomodaciones curriculares y un enfoque en la autonomía\, es posible transformar los retos de la condición en una propuesta de diseño profesional con identidad propia.\n  \nThis case study analyzes the pedagogical process of a teenager on the autism spectrum during the creation of an original comic. The research addresses the tension between graphic rigidity — characterized by resistance to changing lines and thematic fixations — and the need for technical evolution. Through a methodology based on Universal Design for Learning (UDL)\, differentiation strategies were implemented that made it possible to transmute the fixation into a competitive advantage. The project documents the artist’s “step by step” artistic evolution and highlights a paradigm shift: encouraging thinking oriented toward a way of making a living and a business idea. This progress was made possible by a support ecosystem made up of the mother and her social circle. It concludes that\, through curricular accommodations and a focus on autonomy\, it is possible to transform the challenges of the condition into a professional design proposal with its own identity. \nSession type: Case Study \nPresenters\n\nAnabelle Grullón\, Docentes de artes visuales\, programa Bachillerato Internacional (IB)\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Colores por la Vida: participatory design model for interdisciplinary co-creation
DESCRIPTION:Colores por la Vida: modelo de diseño participativo para la co-creación interdisciplinaria\nAbout this session\nLa presente ponencia presenta un modelo metodológico de diseño participativo orientado a la formación en diseño en escenarios educativos. Desarrollado en la Pontificia Universidad Javeriana Cali\, el modelo articula procesos de co-creación entre estudiantes\, docentes y comunidades\, integrando perspectivas interdisciplinarias y enfoques centrados en las personas. Su estructura se organiza en cuatro fases secuenciales (1. Conociendo al otro\, 2. Formulando preguntas\, 3. Explorando ideas y 4. Apropiando el conocimiento) las cuales permiten orientar el proyecto de diseño desde la comprensión del contexto hasta la validación y transferencia de las soluciones diseñadas. Desde una perspectiva metodológica\, Colores por la Vida define roles\, momentos\, entregables y dinámicas de interacción que favorecen la participación activa de los actores involucrados en todas las etapas del proceso de diseño. De la misma manera\, establece mecanismos de retroalimentación continua y prototipado colaborativo\, lo que permite que los resultados puedan ser replicados y adaptados a otros contextos. Esta ponencia analiza la estructura\, lógica operativa y alcances del modelo\, proponiéndolo como una herramienta pedagógica que contribuye a la sistematización de prácticas de diseño participativo en la enseñanza de esta disciplina en América Latina. \n  \n This talk presents a participatory design methodological model aimed at design education in educational settings. Developed at the Pontificia Universidad Javeriana Cali\, the model articulates co-creation processes among students\, teachers\, and communities\, integrating interdisciplinary perspectives and people-centered approaches. Its structure is organized into four sequential phases (1. Getting to know the other\, 2. Formulating questions\, 3. Exploring ideas\, and 4. Appropriating knowledge)\, which guide the design project from understanding the context to validating and transferring the designed solutions. From a methodological standpoint\, Colores por la Vida (Colors for Life) defines roles\, moments\, deliverables\, and interaction dynamics that foster the active participation of those involved at every stage of the design process. Likewise\, it establishes mechanisms for continuous feedback and collaborative prototyping\, allowing results to be replicated and adapted to other contexts. This talk examines the model’s structure\, operational logic\, and scope\, proposing it as a pedagogical tool that contributes to systematizing participatory design practices in the teaching of this discipline across Latin America. \nSession type: Paper \nPresenters\n\nFernando Arboleda\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Hacer visible lo invisible: imagen científica como herramienta pedagógica en patrimonio cultural
DESCRIPTION:Making the Invisible Visible: Scientific Imaging as a Pedagogical Tool in Cultural Heritage\nAbout this session\n\nEsta sesión presenta un recorrido visual y analítico a través de técnicas de imagen científica —reflectografía infrarroja\, radiografía de rayos X e imagen multiespectral— aplicadas al estudio de obras de arte. Más allá de su función diagnóstica\, se plantea que la imagen científica constituye un potente dispositivo pedagógico que transforma la comprensión del objeto artístico. Al revelar dibujos subyacentes\, pentimenti y estructuras materiales estratificadas\, estas tecnologías permiten a estudiantes e investigadores acceder al proceso creativo y a la historia material de las obras. A partir de estudios de caso en contextos de investigación del patrimonio cultural\, se demuestra cómo la visualización de lo invisible amplía el conocimiento técnico y democratiza el acceso a saberes especializados. La integración de la imagen científica en la educación artística fomenta la observación crítica\, el análisis material y el pensamiento interdisciplinario. Asimismo\, contribuye a superar la tradicional división entre ciencias y humanidades al establecer un lenguaje común entre campos. En un contexto global marcado por la transformación digital\, estas herramientas ofrecen un marco innovador para enseñar a ver más allá de la superficie. \n  \n This session presents a visual and analytical journey through scientific imaging techniques — infrared reflectography\, X-ray radiography\, and multispectral imaging — applied to the study of works of art. Beyond their diagnostic function\, scientific imaging is presented as a powerful pedagogical device that transforms understanding of the art object. By revealing underlying drawings\, pentimenti\, and stratified material structures\, these technologies allow students and researchers to access the creative process and material history of artworks. Drawing on case studies in cultural heritage research contexts\, the session demonstrates how visualizing the invisible expands technical knowledge and democratizes access to specialized expertise. Integrating scientific imaging into arts education fosters critical observation\, material analysis\, and interdisciplinary thinking. It also helps bridge the traditional divide between the sciences and the humanities by establishing a common language across fields. In a global context marked by digital transformation\, these tools offer an innovative framework for teaching how to see beyond the surface. \n  \nSession type: Case Study \nPresenter\n\nRuahidy Lombert\, Docente/conservador\, UASD/ICIP\n\n  \nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/hacer-visible-lo-invisible-imagen-cientifica-como-herramienta-pedagogica-en-patrimonio-cultural/
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SUMMARY:Establishing Waikato Design School: place-based\, decolonized\, transdisciplinary
DESCRIPTION: La creación de la Escuela de Diseño de Waikato: situada en el territorio\, descolonizada\, transdisciplinaria\n\nAbstract\n\nEn este espacio presentamos un estudio sobre el proyecto que comienza en 2025 en la Universidad de Waikato para establecer la nueva escuela de diseño en esta región de Nueva Zelanda. En Waikato existió desde hace años un pequeño programa de diseño gráfico en el área de computación al cual se incorporaron el diseño industrial\, medios e interfaces digitales. Es decir\, programas muy convencionales que se formaron siguiendo la tradición eurocéntrica del diseño. Para 2024 la universidad decide crear una escuela de diseño y se nombra al autor para establecer y dirigir esta escuela con el mandato de que sea única y diferenciada a las ya existentes cinco escuelas de diseño en universidades del país y una docena más en academias técnicas o privadas. Compartimos aquí el resultado del estudio inicial sobre las condiciones internas y externas de la universidad\, la presencia y las oportunidades para el diseño con otras disciplinas y con la industria y las comunidades locales. Y compartimos la configuración de este proyecto académico que busca descolonizar y reconfigurar el diseño como eje transdisciplinar orientado al impacto en las comunidades locales. Conectamos este caso de estudio con epistemologías del Sur Global. \n  \n In this space we present a study on the project that began in 2025 at the University of Waikato to establish a new design school in this region of New Zealand. For years\, Waikato had a small graphic design program within the computing area\, which was later joined by industrial design\, media\, and digital interfaces — that is\, very conventional programs formed following the Eurocentric tradition of design. In 2024\, the university decided to create a design school and appointed the author to establish and lead this school with a mandate to make it unique and distinct from the five design schools already existing at universities in the country\, and a dozen more at technical or private academies. Here we share the results of an initial study on the university’s internal and external conditions\, and the presence and opportunities for design alongside other disciplines\, industry\, and local communities. We also share the configuration of this academic project\, which seeks to decolonize and reconfigure design as a transdisciplinary axis oriented toward impact on local communities (place-based). We connect this case study with epistemologies of the Global South. \n  \nSession type: Estudio de caso (Case Study) \nPresenter\n\n Ricardo Sosa\, Head of School of Design\, Waikato University\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/establishing-waikato-design-school-place-based-decolonized-transdisciplinary/
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SUMMARY:Vibe Designing Learning: agent-supported web app for course design
DESCRIPTION:Vibe Designing Learning: aplicación web asistida por agentes para el diseño de cursos\n\nAbstract\n\nThis session presents a prototype of a web application that reframes digital learning development as a collaborative process between educators and AI agents. The system functions as a “Codex-like” environment for education: educators articulate their intent—subject\, pedagogy\, audience\, and assessment philosophy—and AI agents assist in translating that intent into structured\, interactive learning resources composed of text\, media\, and journeys of deliberate practice that help students to develop advanced expertise.  \nThe central argument is that the main limitation in scaling high-quality digital learning lies in the time and effort required to translate educator expertise into coherent\, interactive experiences. As a result\, the depth of insight developed by great educators often remains limited to their immediate audiences. The proposed approach addresses this by embedding instructional design intelligence directly into the creation process\, enabling educators to transform their expertise into high-quality digital resources more efficiently\, and to focus on meaning\, structure\, and pedagogy rather than tooling.  \nBeyond authoring\, the same agent-based system supports students as they engage with the material\, creating a continuous loop between design and learning. This establishes a new model where educational resources are not static outputs but evolving\, interactive systems.\n  \nEsta sesión presenta un prototipo de aplicación web que replantea el desarrollo del aprendizaje digital como un proceso colaborativo entre docentes y agentes de IA. El sistema funciona como un entorno “tipo Codex” para la educación: los docentes articulan su intención —materia\, pedagogía\, audiencia y filosofía de evaluación— y los agentes de IA ayudan a traducir esa intención en recursos de aprendizaje estructurados e interactivos\, compuestos por texto\, medios y recorridos de práctica deliberada que ayudan a los estudiantes a desarrollar experticia avanzada.  \nEl argumento central es que la principal limitación para escalar un aprendizaje digital de alta calidad radica en el tiempo y esfuerzo necesarios para traducir la experticia docente en experiencias coherentes e interactivas. Como resultado\, la profundidad de los conocimientos desarrollados por grandes educadores suele quedar limitada a sus audiencias inmediatas. El enfoque propuesto aborda esto integrando inteligencia de diseño instruccional directamente en el proceso de creación\, permitiendo a los docentes transformar su experticia en recursos digitales de alta calidad de manera más eficiente\, y enfocarse en el significado\, la estructura y la pedagogía en lugar de en las herramientas. \nMás allá de la autoría\, el mismo sistema basado en agentes apoya a los estudiantes mientras interactúan con el material\, creando un ciclo continuo entre diseño y aprendizaje. Esto establece un nuevo modelo en el que los recursos educativos no son productos estáticos\, sino sistemas interactivos en evolución. \n  \nSession type: Design Your Own (DYO) Session \nPresenter\n\n John Benavides\, Learning Technologist\, University of the Arts London\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/vibe-designing-learning-agent-supported-web-app-for-course-design/
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SUMMARY:Teaching Ethics in Wearable Technology Design through Human-AI Co-Creation
DESCRIPTION: Enseñar ética en el diseño de tecnología vestible mediante la co-creación entre humanos e IA\n\nAbout this session\n\nThis paper presents findings from a multi-week classroom study on integrating ethics into wearable technology design education using a framework for responsible human-AI collaboration. Positioned at the intersection of design practice\, prompt engineering\, and ethics\, the study provided 14 undergraduate students with a structured opportunity to experiment with generative AI tools while critically examining their practical and ethical implications in student-selected wearable technology design contexts. Following a studio-based format\, students generated and iteratively refined design variations\, documented prompt sequences\, and evaluated AI outputs using a framework centered on susceptibility to stereotypes\, representational distortion\, proximity to protected intellectual property\, environmental and health burdens\, and degree of control in human-AI co-creation. The findings support that prompt engineering is not merely a technical exercise\, but a site of critical intervention through which designers can shape outputs toward more inclusive\, sustainable\, and ethically grounded outcomes. By foregrounding downstream design decisions and the shifting balance between designer intent and model autonomy\, the study supported students in developing critical AI literacy and a deeper understanding of responsible co-creation. The paper argues that wearable technology design education offers a productive site for examining how AI can enhance\, rather than override\, human judgment\, domain expertise\, and creative resilience.\n  \nEste trabajo presenta hallazgos de un estudio de aula de varias semanas sobre la integración de la ética en la educación del diseño de tecnología vestible\, utilizando un marco de colaboración responsable entre humanos e IA. Situado en la intersección entre la práctica del diseño\, la ingeniería de prompts y la ética\, el estudio brindó a 14 estudiantes de pregrado una oportunidad estructurada para experimentar con herramientas de IA generativa mientras examinaban críticamente sus implicaciones prácticas y éticas en contextos de diseño de tecnología vestible elegidos por los propios estudiantes. Siguiendo un formato tipo taller\, los estudiantes generaron y refinaron iterativamente variaciones de diseño\, documentaron secuencias de prompts y evaluaron los resultados de la IA utilizando un marco centrado en la susceptibilidad a los estereotipos\, la distorsión representacional\, la proximidad a propiedad intelectual protegida\, las cargas ambientales y de salud\, y el grado de control en la co-creación humano-IA. Los hallazgos respaldan que la ingeniería de prompts no es meramente un ejercicio técnico\, sino un espacio de intervención crítica a través del cual los diseñadores pueden orientar los resultados hacia desenlaces más inclusivos\, sostenibles y éticamente fundamentados. Al poner en primer plano las decisiones de diseño posteriores y el equilibrio cambiante entre la intención del diseñador y la autonomía del modelo\, el estudio ayudó a los estudiantes a desarrollar una alfabetización crítica en IA y una comprensión más profunda de la co-creación responsable. El trabajo sostiene que la educación en diseño de tecnología vestible ofrece un espacio productivo para examinar cómo la IA puede potenciar\, en lugar de sustituir\, el juicio humano\, la experticia disciplinar y la resiliencia creativa. \n  \nSession type: Paper (Ponencia académica) \nPresenter\n Bolor Amgalan\, Associate Teaching Professor\, Northeastern University \nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/teaching-ethics-in-wearable-technology-design-through-human-ai-co-creation/
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CATEGORIES:DEL 2026 Day 2
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SUMMARY:Should Design Move from Form to Experience? Somaesthetics as a framework
DESCRIPTION: ¿Debe el diseño pasar de la forma a la experiencia? La somaestética como marco\nAbout this session\nThis presentation examines whether design should be understood primarily as a discipline of form or as a discipline of experience. While design traditions have emphasized visual composition and object-based evaluation\, such approaches often underrepresent the embodied\, multisensory\, and temporal dimensions through which design is encountered. Drawing on somaesthetics—a philosophical framework centered on embodied perception and cultivated bodily awareness—the presentation proposes a shift toward understanding design as the shaping of lived experience rather than isolated form. Building on pragmatist aesthetics and theories of embodied cognition\, design is framed as a process unfolding through interaction between bodies\, materials\, and environments over time. To support this shift\, the presentation introduces a distinction between Thin Description and Thick Description\, adapted from anthropology\, as a practical method for design analysis. Thin Description focuses on observable formal properties\, while Thick Description attends to perception\, context\, duration\, and bodily variability. Through examples from graphic\, product\, and interaction design\, the presentation demonstrates how atmosphere\, tactility\, attention\, and use shape meaning in practice. The framework offers a way to support design critique\, teaching\, and discussion by making lived experience more visible and describable.\n  \nEsta presentación examina si el diseño debería entenderse principalmente como una disciplina de la forma o como una disciplina de la experiencia. Si bien las tradiciones del diseño han enfatizado la composición visual y la evaluación centrada en el objeto\, estos enfoques a menudo subrepresentan las dimensiones corporales\, multisensoriales y temporales a través de las cuales se experimenta el diseño. Basándose en la somaestética —un marco filosófico centrado en la percepción corporal y la conciencia corporal cultivada—\, la presentación propone un giro hacia entender el diseño como la configuración de la experiencia vivida en lugar de la forma aislada. Apoyándose en la estética pragmatista y en teorías de la cognición corporeizada\, el diseño se enmarca como un proceso que se despliega a través de la interacción entre cuerpos\, materiales y entornos a lo largo del tiempo. Para sustentar este giro\, la presentación introduce una distinción entre Descripción Densa y Descripción Superficial (Thin Description y Thick Description)\, adaptada de la antropología\, como un método práctico para el análisis de diseño. La Descripción Superficial se centra en propiedades formales observables\, mientras que la Descripción Densa atiende a la percepción\, el contexto\, la duración y la variabilidad corporal. A través de ejemplos de diseño gráfico\, de producto y de interacción\, la presentación demuestra cómo la atmósfera\, la tactilidad\, la atención y el uso configuran el significado en la práctica. El marco ofrece una manera de apoyar la crítica\, la enseñanza y la discusión del diseño al hacer que la experiencia vivida sea más visible y describible. \nSession type: Paper \nPresenters\n\nHirbod Human\, PhD Researcher\, Design/Aesthetics/Arts\, Florida Atlantic University\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/should-design-move-from-form-to-experience-somaesthetics-as-a-framework/
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CATEGORIES:DEL 2026 Day 2,DEL Conference
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SUMMARY:Arte Transmedial\, Ocio y Pedagogías Digitales en la Era de la IA
DESCRIPTION:About this session\nEsta investigación propone una reflexión meta-crítica sobre la convergencia entre: Arte Transmedio\, Ocio-lúdico-estético y Pedagogías digitales en el contexto contemporáneo mediado por la “Inteligencia Artificial” (IA). El problema aborda la tensión entre la automatización creativa\, los procesos de legitimación artística y la pérdida del “ocio” dentro de las prácticas culturales institucionalizadas. El objetivo es analizar cómo la “IA”\, junto a sistemas de archivos y redes\, reconfigura la enseñanza artística\, la práctica profesional y la construcción de valor cultural en aulas\, talleres\, concursos\, exposiciones y espacios digitales donde la transmedia dimensiona el mensaje. Metodológicamente\, se adopta un enfoque mixto que integra: observación participante\, análisis crítico de obras\, exploración de archivos\, aprendizaje automático y visualización de datos\, articulando una perspectiva longitudinal y experiencial. Los resultados evidencian que el arte transmedial y las prácticas colaborativas humano-máquina fomentan nuevas formas de autoría\, aprendizaje y recreación creativa\, aunque persisten desigualdades en la valoración de propuestas innovadoras. En este marco\, Re[Conectando] prácticas entrelazadas y Re[Involucrando] pedagogías digitales emergen como ejes clave para un compromiso crítico entre arte\, diseño y educación. Se concluye que la “IA” deja de ser herramienta para convertirse en agente cognitivo-estético\, impulsando un ecosistema creativo interdependiente orientado al desarrollo cultural sostenible. \n  \n This research proposes a meta-critical reflection on the convergence between: Transmedia Art\, playful-aesthetic Leisure\, and digital Pedagogies in the contemporary context mediated by “Artificial Intelligence” (AI). The problem addresses the tension between creative automation\, processes of artistic legitimation\, and the loss of “Leisure” within institutionalized cultural practices. The aim is to analyze how “AI\,” together with archival and network systems\, reconfigures artistic teaching\, professional practice\, and the construction of cultural value in classrooms\, workshops\, competitions\, exhibitions\, and digital spaces where transmedia gives the message its dimension. Methodologically\, a mixed approach is adopted that integrates participant observation\, critical analysis of works\, archival exploration\, machine learning\, and data visualization\, articulating a longitudinal and experiential perspective. The results show that transmedia art and human-machine collaborative practices foster new forms of authorship\, learning\, and creative re-creation\, although inequalities persist in the valuation of innovative proposals. Within this framework\, Re[Connecting] interwoven practices and Re[Engaging] digital pedagogies emerge as key axes for critical engagement among art\, design\, and education. It is concluded that “AI” ceases to be a mere tool and becomes a cognitive-aesthetic agent\, driving an interdependent creative ecosystem oriented toward sustainable cultural development. \nSession type: Paper (Ponencia académica) \nPresenters\n\nLuis Alberto Rodríguez Santos\, Profesor-investigador: UASD\, UNAPEC\, ISFODOSU\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/arte-transmedial-ocio-y-pedagogias-digitales-en-la-era-de-la-ia/
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CATEGORIES:DEL 2026 Day 2,DEL Conference
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SUMMARY:La Pedagogía De La Mirada Lenta: enseñar atención en primer año
DESCRIPTION:The Pedagogy of Slow Looking: Teaching Attention in the First Year\nAbout this session\nEn contextos contemporáneos marcados por la aceleración de la experiencia visual y la fragmentación de la atención\, los estudiantes tienen cada vez más dificultades para sostener la atención visual en entornos visuales acelerados\, lo que afecta directamente los procesos de observación en el estudio. Esta presentación propone la “mirada lenta” como una metodología pedagógica transferible para fortalecer la atención perceptiva en estudiantes de primer año dentro de la educación en arte y diseño. A partir de prácticas derivadas del dibujo y la pintura\, se presentan tres estrategias aplicables en el aula: observación previa a la producción\, descripción antes de la representación y ejercicios de restricción perceptual centrados en valor\, color o continuidad de línea. Estas estrategias reorganizan la relación entre percepción\, lenguaje y acción dentro del aprendizaje en estudio. La propuesta se sitúa en diálogo con enfoques que entienden la percepción como experiencia encarnada (“embodied perception”) y el aprendizaje como proceso activo\, particularmente relevantes en entornos educativos contemporáneos atravesados por ritmos visuales acelerados. Más que un retorno a modelos tradicionales\, la mirada lenta se plantea como una herramienta pedagógica contemporánea para reconfigurar la atención como condición fundamental del aprendizaje en arte y diseño en distintos contextos educativos internacionales.\n  \nIn contemporary contexts marked by the acceleration of visual experience and the fragmentation of attention\, students increasingly struggle to sustain visual attention within accelerated visual environments\, which directly affects observation processes in the studio. This presentation proposes “slow looking” as a transferable pedagogical methodology for strengthening perceptual attention in first-year students within art and design education. Drawing on practices derived from drawing and painting\, three classroom-applicable strategies are presented: observation prior to production\, description before representation\, and perceptual-restriction exercises focused on value\, color\, or line continuity. These strategies reorganize the relationship between perception\, language\, and action within studio learning. The proposal engages in dialogue with approaches that understand perception as embodied experience and learning as an active process\, particularly relevant in contemporary educational environments shaped by accelerated visual rhythms. Rather than a return to traditional models\, slow looking is presented as a contemporary pedagogical tool for reconfiguring attention as a foundational condition for learning in art and design across different international educational contexts. \nSession type: Ponencia académica (Paper) \nPresenters\n\n  Paula Saneaux\, Artista Independiente (Independent Artist)\, \n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/la-pedagogia-de-la-mirada-lenta-ensenar-atencion-en-primer-ano/
LOCATION:Santo Domingo\, Room 2D
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