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SUMMARY:Del Trazado Obsesivo a la Narrativa Gráfica: emprendimiento en el Espectro Autista
DESCRIPTION:From Obsessive Mark-Making to Graphic Narrative: Entrepreneurship on the Autism Spectrum\nAbout this session\nEste estudio de caso analiza el proceso pedagógico de una adolescente en el espectro autista durante la creación de un cómic original. La investigación aborda la tensión entre la rigidez gráfica – caracterizada por la resistencia al cambio de líneas y fijaciones temáticas- y la necesidad de evolución técnica. A través de una metodología basada en el Diseño Universal para el Aprendizaje (DUA)\, se implementaron estrategias de diferenciación que permitieron transmutar la fijación en una ventaja competitiva. El proyecto documenta la evolución artística “paso a paso” y destaca un cambio de paradigma: incentivar un pensamiento orientado al modus vivendi y la idea de negocio. Este avance fue posible gracias a un ecosistema de apoyo compuesto por la madre y su círculo social. Se concluye que\, mediante acomodaciones curriculares y un enfoque en la autonomía\, es posible transformar los retos de la condición en una propuesta de diseño profesional con identidad propia.\n  \nThis case study analyzes the pedagogical process of a teenager on the autism spectrum during the creation of an original comic. The research addresses the tension between graphic rigidity — characterized by resistance to changing lines and thematic fixations — and the need for technical evolution. Through a methodology based on Universal Design for Learning (UDL)\, differentiation strategies were implemented that made it possible to transmute the fixation into a competitive advantage. The project documents the artist’s “step by step” artistic evolution and highlights a paradigm shift: encouraging thinking oriented toward a way of making a living and a business idea. This progress was made possible by a support ecosystem made up of the mother and her social circle. It concludes that\, through curricular accommodations and a focus on autonomy\, it is possible to transform the challenges of the condition into a professional design proposal with its own identity. \nSession type: Case Study \nPresenters\n\nAnabelle Grullón\, Docentes de artes visuales\, programa Bachillerato Internacional (IB)\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Colores por la Vida: participatory design model for interdisciplinary co-creation
DESCRIPTION:Colores por la Vida: modelo de diseño participativo para la co-creación interdisciplinaria\nAbout this session\nLa presente ponencia presenta un modelo metodológico de diseño participativo orientado a la formación en diseño en escenarios educativos. Desarrollado en la Pontificia Universidad Javeriana Cali\, el modelo articula procesos de co-creación entre estudiantes\, docentes y comunidades\, integrando perspectivas interdisciplinarias y enfoques centrados en las personas. Su estructura se organiza en cuatro fases secuenciales (1. Conociendo al otro\, 2. Formulando preguntas\, 3. Explorando ideas y 4. Apropiando el conocimiento) las cuales permiten orientar el proyecto de diseño desde la comprensión del contexto hasta la validación y transferencia de las soluciones diseñadas. Desde una perspectiva metodológica\, Colores por la Vida define roles\, momentos\, entregables y dinámicas de interacción que favorecen la participación activa de los actores involucrados en todas las etapas del proceso de diseño. De la misma manera\, establece mecanismos de retroalimentación continua y prototipado colaborativo\, lo que permite que los resultados puedan ser replicados y adaptados a otros contextos. Esta ponencia analiza la estructura\, lógica operativa y alcances del modelo\, proponiéndolo como una herramienta pedagógica que contribuye a la sistematización de prácticas de diseño participativo en la enseñanza de esta disciplina en América Latina. \n  \n This talk presents a participatory design methodological model aimed at design education in educational settings. Developed at the Pontificia Universidad Javeriana Cali\, the model articulates co-creation processes among students\, teachers\, and communities\, integrating interdisciplinary perspectives and people-centered approaches. Its structure is organized into four sequential phases (1. Getting to know the other\, 2. Formulating questions\, 3. Exploring ideas\, and 4. Appropriating knowledge)\, which guide the design project from understanding the context to validating and transferring the designed solutions. From a methodological standpoint\, Colores por la Vida (Colors for Life) defines roles\, moments\, deliverables\, and interaction dynamics that foster the active participation of those involved at every stage of the design process. Likewise\, it establishes mechanisms for continuous feedback and collaborative prototyping\, allowing results to be replicated and adapted to other contexts. This talk examines the model’s structure\, operational logic\, and scope\, proposing it as a pedagogical tool that contributes to systematizing participatory design practices in the teaching of this discipline across Latin America. \nSession type: Paper \nPresenters\n\nFernando Arboleda\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Hacer visible lo invisible: imagen científica como herramienta pedagógica en patrimonio cultural
DESCRIPTION:Making the Invisible Visible: Scientific Imaging as a Pedagogical Tool in Cultural Heritage\nAbout this session\n\nEsta sesión presenta un recorrido visual y analítico a través de técnicas de imagen científica —reflectografía infrarroja\, radiografía de rayos X e imagen multiespectral— aplicadas al estudio de obras de arte. Más allá de su función diagnóstica\, se plantea que la imagen científica constituye un potente dispositivo pedagógico que transforma la comprensión del objeto artístico. Al revelar dibujos subyacentes\, pentimenti y estructuras materiales estratificadas\, estas tecnologías permiten a estudiantes e investigadores acceder al proceso creativo y a la historia material de las obras. A partir de estudios de caso en contextos de investigación del patrimonio cultural\, se demuestra cómo la visualización de lo invisible amplía el conocimiento técnico y democratiza el acceso a saberes especializados. La integración de la imagen científica en la educación artística fomenta la observación crítica\, el análisis material y el pensamiento interdisciplinario. Asimismo\, contribuye a superar la tradicional división entre ciencias y humanidades al establecer un lenguaje común entre campos. En un contexto global marcado por la transformación digital\, estas herramientas ofrecen un marco innovador para enseñar a ver más allá de la superficie. \n  \n This session presents a visual and analytical journey through scientific imaging techniques — infrared reflectography\, X-ray radiography\, and multispectral imaging — applied to the study of works of art. Beyond their diagnostic function\, scientific imaging is presented as a powerful pedagogical device that transforms understanding of the art object. By revealing underlying drawings\, pentimenti\, and stratified material structures\, these technologies allow students and researchers to access the creative process and material history of artworks. Drawing on case studies in cultural heritage research contexts\, the session demonstrates how visualizing the invisible expands technical knowledge and democratizes access to specialized expertise. Integrating scientific imaging into arts education fosters critical observation\, material analysis\, and interdisciplinary thinking. It also helps bridge the traditional divide between the sciences and the humanities by establishing a common language across fields. In a global context marked by digital transformation\, these tools offer an innovative framework for teaching how to see beyond the surface. \n  \nSession type: Case Study \nPresenter\n\nRuahidy Lombert\, Docente/conservador\, UASD/ICIP\n\n  \nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Establishing Waikato Design School: place-based\, decolonized\, transdisciplinary
DESCRIPTION: La creación de la Escuela de Diseño de Waikato: situada en el territorio\, descolonizada\, transdisciplinaria\n\nAbstract\n\nEn este espacio presentamos un estudio sobre el proyecto que comienza en 2025 en la Universidad de Waikato para establecer la nueva escuela de diseño en esta región de Nueva Zelanda. En Waikato existió desde hace años un pequeño programa de diseño gráfico en el área de computación al cual se incorporaron el diseño industrial\, medios e interfaces digitales. Es decir\, programas muy convencionales que se formaron siguiendo la tradición eurocéntrica del diseño. Para 2024 la universidad decide crear una escuela de diseño y se nombra al autor para establecer y dirigir esta escuela con el mandato de que sea única y diferenciada a las ya existentes cinco escuelas de diseño en universidades del país y una docena más en academias técnicas o privadas. Compartimos aquí el resultado del estudio inicial sobre las condiciones internas y externas de la universidad\, la presencia y las oportunidades para el diseño con otras disciplinas y con la industria y las comunidades locales. Y compartimos la configuración de este proyecto académico que busca descolonizar y reconfigurar el diseño como eje transdisciplinar orientado al impacto en las comunidades locales. Conectamos este caso de estudio con epistemologías del Sur Global. \n  \n In this space we present a study on the project that began in 2025 at the University of Waikato to establish a new design school in this region of New Zealand. For years\, Waikato had a small graphic design program within the computing area\, which was later joined by industrial design\, media\, and digital interfaces — that is\, very conventional programs formed following the Eurocentric tradition of design. In 2024\, the university decided to create a design school and appointed the author to establish and lead this school with a mandate to make it unique and distinct from the five design schools already existing at universities in the country\, and a dozen more at technical or private academies. Here we share the results of an initial study on the university’s internal and external conditions\, and the presence and opportunities for design alongside other disciplines\, industry\, and local communities. We also share the configuration of this academic project\, which seeks to decolonize and reconfigure design as a transdisciplinary axis oriented toward impact on local communities (place-based). We connect this case study with epistemologies of the Global South. \n  \nSession type: Estudio de caso (Case Study) \nPresenter\n\n Ricardo Sosa\, Head of School of Design\, Waikato University\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/establishing-waikato-design-school-place-based-decolonized-transdisciplinary/
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SUMMARY:Vibe Designing Learning: agent-supported web app for course design
DESCRIPTION:Vibe Designing Learning: aplicación web asistida por agentes para el diseño de cursos\n\nAbstract\n\nThis session presents a prototype of a web application that reframes digital learning development as a collaborative process between educators and AI agents. The system functions as a “Codex-like” environment for education: educators articulate their intent—subject\, pedagogy\, audience\, and assessment philosophy—and AI agents assist in translating that intent into structured\, interactive learning resources composed of text\, media\, and journeys of deliberate practice that help students to develop advanced expertise.  \nThe central argument is that the main limitation in scaling high-quality digital learning lies in the time and effort required to translate educator expertise into coherent\, interactive experiences. As a result\, the depth of insight developed by great educators often remains limited to their immediate audiences. The proposed approach addresses this by embedding instructional design intelligence directly into the creation process\, enabling educators to transform their expertise into high-quality digital resources more efficiently\, and to focus on meaning\, structure\, and pedagogy rather than tooling.  \nBeyond authoring\, the same agent-based system supports students as they engage with the material\, creating a continuous loop between design and learning. This establishes a new model where educational resources are not static outputs but evolving\, interactive systems.\n  \nEsta sesión presenta un prototipo de aplicación web que replantea el desarrollo del aprendizaje digital como un proceso colaborativo entre docentes y agentes de IA. El sistema funciona como un entorno “tipo Codex” para la educación: los docentes articulan su intención —materia\, pedagogía\, audiencia y filosofía de evaluación— y los agentes de IA ayudan a traducir esa intención en recursos de aprendizaje estructurados e interactivos\, compuestos por texto\, medios y recorridos de práctica deliberada que ayudan a los estudiantes a desarrollar experticia avanzada.  \nEl argumento central es que la principal limitación para escalar un aprendizaje digital de alta calidad radica en el tiempo y esfuerzo necesarios para traducir la experticia docente en experiencias coherentes e interactivas. Como resultado\, la profundidad de los conocimientos desarrollados por grandes educadores suele quedar limitada a sus audiencias inmediatas. El enfoque propuesto aborda esto integrando inteligencia de diseño instruccional directamente en el proceso de creación\, permitiendo a los docentes transformar su experticia en recursos digitales de alta calidad de manera más eficiente\, y enfocarse en el significado\, la estructura y la pedagogía en lugar de en las herramientas. \nMás allá de la autoría\, el mismo sistema basado en agentes apoya a los estudiantes mientras interactúan con el material\, creando un ciclo continuo entre diseño y aprendizaje. Esto establece un nuevo modelo en el que los recursos educativos no son productos estáticos\, sino sistemas interactivos en evolución. \n  \nSession type: Design Your Own (DYO) Session \nPresenter\n\n John Benavides\, Learning Technologist\, University of the Arts London\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/vibe-designing-learning-agent-supported-web-app-for-course-design/
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SUMMARY:Teaching Ethics in Wearable Technology Design through Human-AI Co-Creation
DESCRIPTION: Enseñar ética en el diseño de tecnología vestible mediante la co-creación entre humanos e IA\n\nAbout this session\n\nThis paper presents findings from a multi-week classroom study on integrating ethics into wearable technology design education using a framework for responsible human-AI collaboration. Positioned at the intersection of design practice\, prompt engineering\, and ethics\, the study provided 14 undergraduate students with a structured opportunity to experiment with generative AI tools while critically examining their practical and ethical implications in student-selected wearable technology design contexts. Following a studio-based format\, students generated and iteratively refined design variations\, documented prompt sequences\, and evaluated AI outputs using a framework centered on susceptibility to stereotypes\, representational distortion\, proximity to protected intellectual property\, environmental and health burdens\, and degree of control in human-AI co-creation. The findings support that prompt engineering is not merely a technical exercise\, but a site of critical intervention through which designers can shape outputs toward more inclusive\, sustainable\, and ethically grounded outcomes. By foregrounding downstream design decisions and the shifting balance between designer intent and model autonomy\, the study supported students in developing critical AI literacy and a deeper understanding of responsible co-creation. The paper argues that wearable technology design education offers a productive site for examining how AI can enhance\, rather than override\, human judgment\, domain expertise\, and creative resilience.\n  \nEste trabajo presenta hallazgos de un estudio de aula de varias semanas sobre la integración de la ética en la educación del diseño de tecnología vestible\, utilizando un marco de colaboración responsable entre humanos e IA. Situado en la intersección entre la práctica del diseño\, la ingeniería de prompts y la ética\, el estudio brindó a 14 estudiantes de pregrado una oportunidad estructurada para experimentar con herramientas de IA generativa mientras examinaban críticamente sus implicaciones prácticas y éticas en contextos de diseño de tecnología vestible elegidos por los propios estudiantes. Siguiendo un formato tipo taller\, los estudiantes generaron y refinaron iterativamente variaciones de diseño\, documentaron secuencias de prompts y evaluaron los resultados de la IA utilizando un marco centrado en la susceptibilidad a los estereotipos\, la distorsión representacional\, la proximidad a propiedad intelectual protegida\, las cargas ambientales y de salud\, y el grado de control en la co-creación humano-IA. Los hallazgos respaldan que la ingeniería de prompts no es meramente un ejercicio técnico\, sino un espacio de intervención crítica a través del cual los diseñadores pueden orientar los resultados hacia desenlaces más inclusivos\, sostenibles y éticamente fundamentados. Al poner en primer plano las decisiones de diseño posteriores y el equilibrio cambiante entre la intención del diseñador y la autonomía del modelo\, el estudio ayudó a los estudiantes a desarrollar una alfabetización crítica en IA y una comprensión más profunda de la co-creación responsable. El trabajo sostiene que la educación en diseño de tecnología vestible ofrece un espacio productivo para examinar cómo la IA puede potenciar\, en lugar de sustituir\, el juicio humano\, la experticia disciplinar y la resiliencia creativa. \n  \nSession type: Paper (Ponencia académica) \nPresenter\n Bolor Amgalan\, Associate Teaching Professor\, Northeastern University \nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Should Design Move from Form to Experience? Somaesthetics as a framework
DESCRIPTION: ¿Debe el diseño pasar de la forma a la experiencia? La somaestética como marco\nAbout this session\nThis presentation examines whether design should be understood primarily as a discipline of form or as a discipline of experience. While design traditions have emphasized visual composition and object-based evaluation\, such approaches often underrepresent the embodied\, multisensory\, and temporal dimensions through which design is encountered. Drawing on somaesthetics—a philosophical framework centered on embodied perception and cultivated bodily awareness—the presentation proposes a shift toward understanding design as the shaping of lived experience rather than isolated form. Building on pragmatist aesthetics and theories of embodied cognition\, design is framed as a process unfolding through interaction between bodies\, materials\, and environments over time. To support this shift\, the presentation introduces a distinction between Thin Description and Thick Description\, adapted from anthropology\, as a practical method for design analysis. Thin Description focuses on observable formal properties\, while Thick Description attends to perception\, context\, duration\, and bodily variability. Through examples from graphic\, product\, and interaction design\, the presentation demonstrates how atmosphere\, tactility\, attention\, and use shape meaning in practice. The framework offers a way to support design critique\, teaching\, and discussion by making lived experience more visible and describable.\n  \nEsta presentación examina si el diseño debería entenderse principalmente como una disciplina de la forma o como una disciplina de la experiencia. Si bien las tradiciones del diseño han enfatizado la composición visual y la evaluación centrada en el objeto\, estos enfoques a menudo subrepresentan las dimensiones corporales\, multisensoriales y temporales a través de las cuales se experimenta el diseño. Basándose en la somaestética —un marco filosófico centrado en la percepción corporal y la conciencia corporal cultivada—\, la presentación propone un giro hacia entender el diseño como la configuración de la experiencia vivida en lugar de la forma aislada. Apoyándose en la estética pragmatista y en teorías de la cognición corporeizada\, el diseño se enmarca como un proceso que se despliega a través de la interacción entre cuerpos\, materiales y entornos a lo largo del tiempo. Para sustentar este giro\, la presentación introduce una distinción entre Descripción Densa y Descripción Superficial (Thin Description y Thick Description)\, adaptada de la antropología\, como un método práctico para el análisis de diseño. La Descripción Superficial se centra en propiedades formales observables\, mientras que la Descripción Densa atiende a la percepción\, el contexto\, la duración y la variabilidad corporal. A través de ejemplos de diseño gráfico\, de producto y de interacción\, la presentación demuestra cómo la atmósfera\, la tactilidad\, la atención y el uso configuran el significado en la práctica. El marco ofrece una manera de apoyar la crítica\, la enseñanza y la discusión del diseño al hacer que la experiencia vivida sea más visible y describible. \nSession type: Paper \nPresenters\n\nHirbod Human\, PhD Researcher\, Design/Aesthetics/Arts\, Florida Atlantic University\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Arte Transmedial\, Ocio y Pedagogías Digitales en la Era de la IA
DESCRIPTION:About this session\nEsta investigación propone una reflexión meta-crítica sobre la convergencia entre: Arte Transmedio\, Ocio-lúdico-estético y Pedagogías digitales en el contexto contemporáneo mediado por la “Inteligencia Artificial” (IA). El problema aborda la tensión entre la automatización creativa\, los procesos de legitimación artística y la pérdida del “ocio” dentro de las prácticas culturales institucionalizadas. El objetivo es analizar cómo la “IA”\, junto a sistemas de archivos y redes\, reconfigura la enseñanza artística\, la práctica profesional y la construcción de valor cultural en aulas\, talleres\, concursos\, exposiciones y espacios digitales donde la transmedia dimensiona el mensaje. Metodológicamente\, se adopta un enfoque mixto que integra: observación participante\, análisis crítico de obras\, exploración de archivos\, aprendizaje automático y visualización de datos\, articulando una perspectiva longitudinal y experiencial. Los resultados evidencian que el arte transmedial y las prácticas colaborativas humano-máquina fomentan nuevas formas de autoría\, aprendizaje y recreación creativa\, aunque persisten desigualdades en la valoración de propuestas innovadoras. En este marco\, Re[Conectando] prácticas entrelazadas y Re[Involucrando] pedagogías digitales emergen como ejes clave para un compromiso crítico entre arte\, diseño y educación. Se concluye que la “IA” deja de ser herramienta para convertirse en agente cognitivo-estético\, impulsando un ecosistema creativo interdependiente orientado al desarrollo cultural sostenible. \n  \n This research proposes a meta-critical reflection on the convergence between: Transmedia Art\, playful-aesthetic Leisure\, and digital Pedagogies in the contemporary context mediated by “Artificial Intelligence” (AI). The problem addresses the tension between creative automation\, processes of artistic legitimation\, and the loss of “Leisure” within institutionalized cultural practices. The aim is to analyze how “AI\,” together with archival and network systems\, reconfigures artistic teaching\, professional practice\, and the construction of cultural value in classrooms\, workshops\, competitions\, exhibitions\, and digital spaces where transmedia gives the message its dimension. Methodologically\, a mixed approach is adopted that integrates participant observation\, critical analysis of works\, archival exploration\, machine learning\, and data visualization\, articulating a longitudinal and experiential perspective. The results show that transmedia art and human-machine collaborative practices foster new forms of authorship\, learning\, and creative re-creation\, although inequalities persist in the valuation of innovative proposals. Within this framework\, Re[Connecting] interwoven practices and Re[Engaging] digital pedagogies emerge as key axes for critical engagement among art\, design\, and education. It is concluded that “AI” ceases to be a mere tool and becomes a cognitive-aesthetic agent\, driving an interdependent creative ecosystem oriented toward sustainable cultural development. \nSession type: Paper (Ponencia académica) \nPresenters\n\nLuis Alberto Rodríguez Santos\, Profesor-investigador: UASD\, UNAPEC\, ISFODOSU\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:The Living Darkroom: fotografía biológica\, biodesign y ecosistemas vivos en el Caribe
DESCRIPTION:  The Living Darkroom: Biological Photography\, Biodesign\, and Living Ecosystems in the Caribbean\nAbout this session\n The Living Darkroom es una investigación artística que explora cómo microorganismos\, cultivos orgánicos y materia biológica participan activamente como agentes creativos en la generación de imágenes fotográficas. Situado en la intersección entre biodesign\, fotografía experimental y diseño especulativo\, el proyecto cuestiona la noción de autoría creativa: ¿quién es el autor cuando un organismo vivo participa en el proceso? ¿Qué significa renunciar al control en la práctica artística?  A diferencia de la fotografía como proceso controlado (químico o digital)\, esta investigación propone entenderla como un **ecosistema vivo** dónde materia\, tiempo y entorno se convierten en co-creadores. El artista no produce la imagen: la propicia. El resultado es una imagen que crece. El proyecto conecta tradiciones fotográficas históricas con metodologías emergentes del biodesign\, investigando cómo el contexto ecológico del Caribe\, su biodiversidad\, fragilidad ambiental\, historia material\, puede convertirse en una fuente activa de innovación en diseño. La presentación compartirá fundamentos conceptuales\, experimentos de laboratorio y preguntas que guían la investigación: ¿Qué implicaciones pedagógicas tiene este enfoque? ¿Cómo se transforma la forma en que estudiantes de diseño se relacionan con materia viva\, tiempo y sistemas? \n\n The Living Darkroom is an artistic research project that explores how microorganisms\, organic cultures\, and biological matter actively participate as creative agents in the generation of photographic images. Situated at the intersection of biodesign\, experimental photography\, and speculative design\, the project questions the notion of creative authorship: who is the author when a living organism takes part in the process? What does it mean to relinquish control in artistic practice? Unlike photography as a controlled process (chemical or digital)\, this research proposes understanding it as a living ecosystem in which matter\, time\, and environment become co-creators. The artist does not produce the image: the artist enables it. The result is an image that grows. The project connects historical photographic traditions with emerging biodesign methodologies\, investigating how the Caribbean’s ecological context — its biodiversity\, environmental fragility\, and material history — can become an active source of design innovation. The presentation will share conceptual foundations\, laboratory experiments\, and the questions guiding the research: What pedagogical implications does this approach have? How does it transform the way design students relate to living matter\, time\, and systems? \nSession type: Case Study \nPresenters\n\nHamlet Cabrera\, Artista\, Investigador\, Director de Proyecto\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Gimnasio Creativo: metodología biopsicosocial para cultivar habilidades blandas
DESCRIPTION:Creative Gym: A Biopsychosocial Methodology for Cultivating Soft Skills\nAbout this session\nLas habilidades blandas (o soft skills) son cada vez más promovidas como competencias esenciales para el siglo XXI. Sin embargo\, las instituciones educativas no priorizan su entrenamiento con enfoques basados en evidencia que transforman al Ser. Este estudio de caso documenta la facilitación de habilidades blandas como la empatía\, la resiliencia y la compasión (entre otras) mediante un Gimnasio Creativo (GC) ofrecido en una institución educativa dominicana. A través de una metodología participativa y biopsicosocial en desarrollo desde 2017\, que integra danza\, respiración consciente y dibujo\, el GC enseña a “hacer sentido” con el cuerpo integrando conocimientos bio (anatomía\, fisiología\, neurociencia)\, psico (inteligencia emocional) y sociales (relación con el entorno). Documentando el proceso desde otoño 2025 mediante entrevistas y reflexiones visuales de cada participante\, los hallazgos iniciales evidencian una regulación en los niveles de estrés y ansiedad\, el desarrollo del autoconocimiento\, la autocompasión y una transformación del diálogo interno. La divulgación de los Gimnasios Creativos contribuiría a mitigar la crisis de salud mental en la educación superior dominicana\, con la posibilidad de expandir a Redes Globales la facilitación de habilidades blandas que beneficie tanto al estudiantado como al prestigio de las instituciones de educación superior. \n  \nSoft skills are increasingly promoted as essential competencies for the 21st century. However\, educational institutions do not prioritize training them through evidence-based approaches that transform the Self. This case study documents the facilitation of soft skills such as empathy\, resilience\, and compassion (among others) through a Creative Gym (Gimnasio Creativo\, GC) offered at a Dominican educational institution. Through a participatory\, biopsychosocial methodology developed since 2017 — which integrates dance\, mindful breathing\, and drawing — the GC teaches “making sense” with the body by integrating bio (anatomy\, physiology\, neuroscience)\, psycho (emotional intelligence)\, and social (relationship with one’s environment) knowledge. Documenting the process since fall 2025 through interviews and visual reflections from each participant\, initial findings show regulation of stress and anxiety levels\, the development of self-knowledge and self-compassion\, and a transformation of inner dialogue. Wider dissemination of Creative Gyms could help mitigate the mental health crisis in Dominican higher education\, with the possibility of expanding the facilitation of soft skills into Global Networks in ways that benefit both the student body and the standing of higher education institutions. \nSession type: Case study \nPresenters\n\nAna María López\,  Directora Creativa\, Mueve Flore Estudio (Creative Director)\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/gimnasio-creativo-metodologia-biopsicosocial-para-cultivar-habilidades-blandas/
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SUMMARY:What are cities without property? Indigenous relational thinking and urban futures
DESCRIPTION:¿Qué son las ciudades sin propiedad? Pensamiento relacional indígena y futuros urbanos\nAbout this session\nHow can we collectively imagine non-propertied futures? Property has been a colonial tool to own and disconnect peoples from their lands\, minds\, and bodies. Racial capitalist regimes have produced elaborate and often nonsensical systems to freeze and control what are otherwise relational networks among lands\, humans\, and the more-than-human\, grounded in co-nurturing dynamics. In this session\, we argue that envisioning cities without property requires engaging in relational thinking –a framework deeply rooted in Indigenous worldviews– and that critical pedagogies can introduce pathways for denaturalizing property and imagining non-propertied futures. Drawing from art-based and critical spatial practices\, we will share examples of pedagogical activities to visualize relational dynamics in space\, question ‘productiveness’\, challenge institutional land claims\, and explore the representation of lived spatial knowledge beyond property lines. Building on these examples\, participants will be invited to engage in a visual storytelling exercise to reflect on relationships with land. Together\, we will produce a collective object that will live throughout the conference\, acting as a catalyst for ongoing conversations and as a potential trace of new relational connections formed among participants. Through this process\, we hope these ideas help foster creative visions of how non-propertied relations are possible and already in existence.\n  \n¿Cómo podemos imaginar colectivamente futuros sin propiedad? La propiedad ha sido una herramienta colonial para poseer y desconectar a los pueblos de sus tierras\, mentes y cuerpos. Los regímenes de capitalismo racial han producido sistemas elaborados y\, a menudo\, absurdos para congelar y controlar lo que de otro modo serían redes relacionales entre las tierras\, los seres humanos y lo más-que-humano\, fundamentadas en dinámicas de crianza mutua. En esta sesión\, sostenemos que imaginar ciudades sin propiedad requiere involucrarse en el pensamiento relacional —un marco profundamente arraigado en las cosmovisiones indígenas— y que las pedagogías críticas pueden abrir caminos para desnaturalizar la propiedad e imaginar futuros sin propiedad. A partir de prácticas espaciales críticas y basadas en el arte\, compartiremos ejemplos de actividades pedagógicas para visualizar dinámicas relacionales en el espacio\, cuestionar la “productividad”\, desafiar los reclamos institucionales sobre la tierra y explorar la representación del conocimiento espacial vivido más allá de los límites de la propiedad. A partir de estos ejemplos\, se invitará a los participantes a realizar un ejercicio de narración visual para reflexionar sobre sus relaciones con la tierra. Juntos\, produciremos un objeto colectivo que perdurará a lo largo de la conferencia\, actuando como catalizador de conversaciones continuas y como posible huella de nuevas conexiones relacionales formadas entre los participantes. A través de este proceso\, esperamos que estas ideas ayuden a fomentar visiones creativas de cómo las relaciones sin propiedad son posibles y ya existen. \nSession type: Case study \nPresenters\n\nTomateo\, Kotsoni & D’Ignazio\, Assistant Professor\, Indigenous Knowledges & Methodologies\, Parsons\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:El diseño gráfico y su deuda con la investigación: tensiones en la producción de conocimiento
DESCRIPTION:Graphic Design and Its Debt to Research: Tensions in the Production of Knowledge\nAbout this session\nEl diseño gráfico es una disciplina profesional con menos de cien años de desarrollo. En la lucha por que sea reconocida como una profesión\, ha pasado por varias etapas\, incluida el ser tratada como una disciplina menor por otras profesiones\, particularmente aquellas relacionadas con perfiles científicos. Estas acciones\, aunadas a la pérdida gradual de la investigación como forma obligatoria de titulación de la licenciatura\, así como la falta de investigadores y revistas indexadas que den voz a los trabajos realizados en el área\, han afectado la manera en que se ejecutan los seminarios de investigación a nivel licenciatura\, comprometiendo la calidad de las materias\, los proyectos\, los docentes\, las publicaciones\, los posgrados y la relevancia de la disciplina.\n  \nGraphic design is a professional discipline with less than a hundred years of development. In the struggle to be recognized as a profession\, it has gone through several stages\, including being treated as a minor discipline by other professions\, particularly those associated with scientific profiles. These circumstances\, together with the gradual loss of research as a mandatory requirement for undergraduate graduation\, as well as the lack of researchers and indexed journals giving voice to work carried out in the field\, have affected the way research seminars are conducted at the undergraduate level\, compromising the quality of courses\, projects\, faculty\, publications\, graduate programs\, and the discipline’s relevance. \nSession type: Paper \nPresenters\n\nOscar Méndez Ayala\, Profesor de tiempo completo (Full-Time Professor)\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/el-diseno-grafico-y-su-deuda-con-la-investigacion-tensiones-en-la-produccion-de-conocimiento/
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SUMMARY:The Semiotics of Unity: nesting identities in a factional age
DESCRIPTION:La semiótica de la unidad: identidades anidadas en una era faccionalista\nAbout this session\nIn our current political climate\, we are surrounded by symbols of individuation: BLM flags\, rainbow pins\, Resist t-shirts\, and MAGA hats. These icons are profound tools for resistance and belonging\, but they are designed to signal who we are apart from the rest. This paper explores the value of developing a visual language that represents “the whole” while honoring the individual parts of a fractured system. Using the historical precedent of the Tudor Rose—a symbol that nested the warring red Lancastrian and white Yorkist roses rather than blending them into a diluted pink—I argue that our modern failure to find common ground is\, in part\, a failure of imagination. When we demand one dominant symbol or search for a “purple” compromise\, do we fail to make possible a vision of a “nested” future in which factional identities remain visible and respected within a shared framework? This workshop invites students to unpack symbols of identity (caveat: exclusive of symbols of hate or bigotry) to learn how they might visually combine them in ways that signal individuality within a collective whole. \n \n En nuestro clima político actual\, estamos rodeados de símbolos de individuación: banderas de BLM\, prendedores de arcoíris\, camisetas de “Resist” y gorras de MAGA. Estos íconos son herramientas profundas de resistencia y pertenencia\, pero están diseñados para señalar quiénes somos en contraposición al resto. Este trabajo explora el valor de desarrollar un lenguaje visual que represente “el todo” al tiempo que honra las partes individuales de un sistema fracturado. Usando el precedente histórico de la Rosa Tudor —un símbolo que anidó las rosas roja lancasteriana y blanca yorkista en guerra en lugar de fundirlas en un rosa diluido—\, sostengo que nuestro fracaso moderno en encontrar puntos en común es\, en parte\, un fracaso de la imaginación. Cuando exigimos un único símbolo dominante o buscamos un compromiso “morado”\, ¿acaso fallamos en hacer posible una visión de un futuro “anidado” en el que las identidades faccionales permanezcan visibles y respetadas dentro de un marco compartido? Este taller invita a los estudiantes a desentrañar símbolos de identidad (salvedad: excluyendo símbolos de odio o intolerancia) para aprender cómo podrían combinarlos visualmente de maneras que señalen la individualidad dentro de un todo colectivo. \nSession type: Design Your Own (DYO) session \nPresenters\n\nJennifer Rittner\, Assistant Professor\, Strategic Design & Management\, Parsons\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Foundation Studies as Virtual Multiplayer Studio
DESCRIPTION:Los estudios de fundamentos como taller virtual multijugador\n\nAbout this session\nWhat does it mean to build a studio community when students don’t share a physical space? This session presents a fully asynchronous\, remote foundations course that uses Figma as a unique studio environment — enabling dozens of students to work together in shared files that offer a sense of presence and collective making.  \nThe course centers each week on a Case Study: an artist or designer selected by peer faculty and introduced through interviews and conversations that distribute authorship and avoid a single arbiter of taste. Classic 2D design exercises are updated for digital contexts\, alongside novel Figma uses like annotated reading discussions\, narrative animations\, and nonlinear research presentations.  \nThe course takes a postmodern approach to the canon: deconstructing the hierarchies of craftwork\, interrogating cultural appropriation\, and foregrounding underrepresented voices across digital art and design history. By emphasizing the subjective nature of taste\, students are invited to locate themselves within a diverse and contested field. I’ll share my experience developing and teaching the course\, and offer practical tips for managing shared Figma workspaces at scale. \n  \n ¿Qué significa construir una comunidad de taller cuando los estudiantes no comparten un espacio físico? Esta sesión presenta un curso de fundamentos completamente asíncrono y remoto que utiliza Figma como un entorno de taller singular\, permitiendo que docenas de estudiantes trabajen juntos en archivos compartidos que ofrecen una sensación de presencia y creación colectiva. El curso se centra cada semana en un Estudio de Caso: un artista o diseñador seleccionado por docentes pares y presentado a través de entrevistas y conversaciones que distribuyen la autoría y evitan un único árbitro del gusto. Los ejercicios clásicos de diseño 2D se actualizan para contextos digitales\, junto con usos novedosos de Figma como discusiones de lectura anotadas\, animaciones narrativas y presentaciones de investigación no lineales. El curso adopta un enfoque posmoderno hacia el canon: deconstruyendo las jerarquías del oficio\, cuestionando la apropiación cultural y poniendo en primer plano voces subrepresentadas a lo largo de la historia del arte y el diseño digital. Al enfatizar la naturaleza subjetiva del gusto\, se invita a los estudiantes a ubicarse dentro de un campo diverso y disputado. Compartiré mi experiencia desarrollando e impartiendo el curso\, y ofreceré consejos prácticos para gestionar espacios de trabajo compartidos en Figma a gran escala. \nSession type: Case Study \nPresenters\n\nBenjamin Andrew\, Associate Teaching Professor\, Penn State University\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Access\, Creative Practice & Community Care
DESCRIPTION:Acceso\, práctica creativa y cuidado comunitario\n\nAbout this session\nGatekeeping is often built into structures of artistic opportunity. Even when there is a stated intention to expand access for people of color or low-income artists\, opportunities such as artist residencies are often rendered inaccessible through requirements of nominations\, fees\, or portfolios\, which all assume access to time\, resources\, industry connections and cultural capital. In this session\, four individuals from two partnering organizations will discuss a unique partnership between an access program situated within a US-based art & design college and a Mexico-based organization that supports the exchange of knowledge & ideas across disciplines\, cultures & geographies through residencies\, educational initiatives\, and public programs. The core of their conversation will be about their program-specific residency which aims to remove such barriers and is driven by the following questions: How might the access program’s community-based learning extend beyond graduation? What might these two communities learn from each other through their shared interest in decolonized arts practices? And what might the cultivation of meaningful relationship building across these two communities lead to? Finally\, participants will be invited to reflect on the communities they belong to and the opportunities for increased access within their reach. \n\n El gatekeeping (control del acceso) suele estar integrado en las estructuras de oportunidad artística. Incluso cuando existe una intención declarada de ampliar el acceso para artistas de color o de bajos ingresos\, oportunidades como las residencias artísticas suelen volverse inaccesibles debido a requisitos de nominación\, cuotas o portafolios\, todos los cuales presuponen acceso a tiempo\, recursos\, conexiones en la industria y capital cultural. En esta sesión\, cuatro personas de dos organizaciones asociadas conversarán sobre una alianza única entre un programa de acceso situado dentro de una universidad de arte y diseño con sede en Estados Unidos y una organización con sede en México que apoya el intercambio de conocimientos e ideas entre disciplinas\, culturas y geografías a través de residencias\, iniciativas educativas y programas públicos. El núcleo de su conversación girará en torno a su residencia específica del programa\, que busca eliminar dichas barreras y está guiada por las siguientes preguntas: ¿Cómo podría el aprendizaje basado en la comunidad del programa de acceso extenderse más allá de la graduación? ¿Qué podrían aprender estas dos comunidades una de la otra a través de su interés compartido en prácticas artísticas decoloniales? Y\, ¿a qué podría conducir el cultivo de una construcción de relaciones significativa entre estas dos comunidades? Finalmente\, se invitará a los participantes a reflexionar sobre las comunidades a las que pertenecen y las oportunidades de mayor acceso a su alcance. \nSession type: Design Your Own (Session) \nPresenters\n\nNadia Williams + Pocoapoco\, Associate Professor\, School of Design Strategies\, Parsons\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/access-creative-practice-community-care/
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SUMMARY:La Pedagogía De La Mirada Lenta: enseñar atención en primer año
DESCRIPTION:The Pedagogy of Slow Looking: Teaching Attention in the First Year\nAbout this session\nEn contextos contemporáneos marcados por la aceleración de la experiencia visual y la fragmentación de la atención\, los estudiantes tienen cada vez más dificultades para sostener la atención visual en entornos visuales acelerados\, lo que afecta directamente los procesos de observación en el estudio. Esta presentación propone la “mirada lenta” como una metodología pedagógica transferible para fortalecer la atención perceptiva en estudiantes de primer año dentro de la educación en arte y diseño. A partir de prácticas derivadas del dibujo y la pintura\, se presentan tres estrategias aplicables en el aula: observación previa a la producción\, descripción antes de la representación y ejercicios de restricción perceptual centrados en valor\, color o continuidad de línea. Estas estrategias reorganizan la relación entre percepción\, lenguaje y acción dentro del aprendizaje en estudio. La propuesta se sitúa en diálogo con enfoques que entienden la percepción como experiencia encarnada (“embodied perception”) y el aprendizaje como proceso activo\, particularmente relevantes en entornos educativos contemporáneos atravesados por ritmos visuales acelerados. Más que un retorno a modelos tradicionales\, la mirada lenta se plantea como una herramienta pedagógica contemporánea para reconfigurar la atención como condición fundamental del aprendizaje en arte y diseño en distintos contextos educativos internacionales.\n  \nIn contemporary contexts marked by the acceleration of visual experience and the fragmentation of attention\, students increasingly struggle to sustain visual attention within accelerated visual environments\, which directly affects observation processes in the studio. This presentation proposes “slow looking” as a transferable pedagogical methodology for strengthening perceptual attention in first-year students within art and design education. Drawing on practices derived from drawing and painting\, three classroom-applicable strategies are presented: observation prior to production\, description before representation\, and perceptual-restriction exercises focused on value\, color\, or line continuity. These strategies reorganize the relationship between perception\, language\, and action within studio learning. The proposal engages in dialogue with approaches that understand perception as embodied experience and learning as an active process\, particularly relevant in contemporary educational environments shaped by accelerated visual rhythms. Rather than a return to traditional models\, slow looking is presented as a contemporary pedagogical tool for reconfiguring attention as a foundational condition for learning in art and design across different international educational contexts. \nSession type: Ponencia académica (Paper) \nPresenters\n\n  Paula Saneaux\, Artista Independiente (Independent Artist)\, \n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/la-pedagogia-de-la-mirada-lenta-ensenar-atencion-en-primer-ano/
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SUMMARY:Feminist Design Archive: community-generated knowledge sharing + mini add-a-thon
DESCRIPTION:Archivo de Diseño Feminista: intercambio de conocimiento generado por la comunidad + mini add-a-thon\nAbout this session\nLaunched in 2024\, the Feminist Design Archive is an open-source\, community-generated digital archive that aims to document\, preserve and illuminate the work of feminist designers around the globe. Anyone can submit work to the archive in any format\, from any time period\, including their own work or the work of others. The archive encourages connection\, critical reflection\, and ongoing dialogue about how feminism is practiced through design today. This case study will describe the process of developing the archive\, the ways in which the archive reimagines traditional knowledge structures in design\, and the long-term objectives of the project. A mini-case study will also be presented that demonstrates ways in which online design archives can serve as catalysts for classroom assignments and projects\, and allow students to participate in knowledge-generation as well. Through dialogue with participants\, we will explore the digital archive as a collage of pluralistic\, overlapping\, conflicting\, and evolving ways of knowing and doing feminism through design. \n \nLanzado en 2024\, el Archivo de Diseño Feminista es un archivo digital de código abierto y generado por la comunidad que busca documentar\, preservar e iluminar el trabajo de diseñadoras y diseñadores feministas de todo el mundo. Cualquier persona puede enviar trabajos al archivo en cualquier formato y de cualquier período\, incluyendo su propio trabajo o el de otras personas. El archivo fomenta la conexión\, la reflexión crítica y el diálogo continuo sobre cómo se practica el feminismo a través del diseño en la actualidad. Este estudio de caso describirá el proceso de desarrollo del archivo\, las formas en que el archivo reimagina las estructuras de conocimiento tradicionales en el diseño\, y los objetivos a largo plazo del proyecto. También se presentará un mini estudio de caso que demuestra maneras en que los archivos de diseño en línea pueden servir como catalizadores para tareas y proyectos de clase\, y permitir que los estudiantes también participen en la generación de conocimiento. A través del diálogo con los participantes\, exploraremos el archivo digital como un collage de formas plurales\, superpuestas\, en conflicto y en evolución de conocer y practicar el feminismo a través del diseño \nSession type: Case Study \nPresenters\n\nAlison Place\,  Assistant Professor Educator\, University of Cincinnati\n\nTime listed is Dominican Republic time.
URL:https://www.delconference.org/2026/event/feminist-design-archive-community-generated-knowledge-sharing-mini-add-a-thon/
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SUMMARY:Co-Imagining Dignity Through Making Across Continents
DESCRIPTION:Co-imaginar la dignidad a través del hacer entre continentes\n\nAbout this session\nThis workshop explores how dignity can be expressed in design through maximalism and minimalism\, not as a fixed concept\, but as something interpreted\, constructed\, and made tangible through form. Working in pairs\, participants will create abstract typographic compositions that examine how visual decisions communicate presence\, respect\, and value. Each pair produces two responses: one through accumulation\, density\, and layering\, and the other through reduction\, restraint\, and clarity. The focus is not on stylistic outcomes\, but on how elements such as space\, hierarchy\, tension\, repetition\, and composition generate meaning and inform the human experience of design. Through this process\, participants begin to understand dignity as embedded in design choices rather than ornamental representation. Grounded in the core values of the South Asian Design Educators Alliance (SADEA)\, particularly dignity and plurality\, the workshop centers on collective making and engages multiple modes of perception. It recognizes South Asian design as diverse and evolving\, formed by a plurality of voices and perspectives. By shifting attention from representation to construction\, the workshop encourages participants to build visual systems that carry conceptual weight while reflecting on how contrasting approaches can express dignity in distinct yet meaningful ways.\n  \nEste taller explora cómo la dignidad puede expresarse en el diseño a través del maximalismo y el minimalismo\, no como un concepto fijo\, sino como algo que se interpreta\, se construye y se hace tangible a través de la forma. Trabajando en parejas\, los participantes crearán composiciones tipográficas abstractas que examinan cómo las decisiones visuales comunican presencia\, respeto y valor. Cada pareja produce dos respuestas: una a través de la acumulación\, la densidad y la superposición\, y la otra a través de la reducción\, la contención y la claridad. El enfoque no está en los resultados estilísticos\, sino en cómo elementos como el espacio\, la jerarquía\, la tensión\, la repetición y la composición generan significado y dan forma a la experiencia humana del diseño. A través de este proceso\, los participantes comienzan a entender la dignidad como algo integrado en las decisiones de diseño más que como una representación ornamental. Fundamentado en los valores centrales de la Alianza de Educadores de Diseño del Sur de Asia (SADEA)\, en particular la dignidad y la pluralidad\, el taller se centra en la creación colectiva e involucra múltiples modos de percepción. Reconoce el diseño surasiático como diverso y en evolución\, formado por una pluralidad de voces y perspectivas. Al desplazar la atención de la representación hacia la construcción\, el taller anima a los participantes a construir sistemas visuales que aporten peso conceptual\, mientras reflexionan sobre cómo enfoques contrastantes pueden expresar la dignidad de maneras distintas pero significativas. \nSession type: Design Your Own (DYO) Session \nPresenters\n\nArchana Shekara & Amrita Datta Haughn\, Professor of Graphic Design\, Illinois State University\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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