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SUMMARY:The Semiotics of Unity: nesting identities in a factional age
DESCRIPTION:La semiótica de la unidad: identidades anidadas en una era faccionalista\nAbout this session\nIn our current political climate\, we are surrounded by symbols of individuation: BLM flags\, rainbow pins\, Resist t-shirts\, and MAGA hats. These icons are profound tools for resistance and belonging\, but they are designed to signal who we are apart from the rest. This paper explores the value of developing a visual language that represents “the whole” while honoring the individual parts of a fractured system. Using the historical precedent of the Tudor Rose—a symbol that nested the warring red Lancastrian and white Yorkist roses rather than blending them into a diluted pink—I argue that our modern failure to find common ground is\, in part\, a failure of imagination. When we demand one dominant symbol or search for a “purple” compromise\, do we fail to make possible a vision of a “nested” future in which factional identities remain visible and respected within a shared framework? This workshop invites students to unpack symbols of identity (caveat: exclusive of symbols of hate or bigotry) to learn how they might visually combine them in ways that signal individuality within a collective whole. \n \n En nuestro clima político actual\, estamos rodeados de símbolos de individuación: banderas de BLM\, prendedores de arcoíris\, camisetas de “Resist” y gorras de MAGA. Estos íconos son herramientas profundas de resistencia y pertenencia\, pero están diseñados para señalar quiénes somos en contraposición al resto. Este trabajo explora el valor de desarrollar un lenguaje visual que represente “el todo” al tiempo que honra las partes individuales de un sistema fracturado. Usando el precedente histórico de la Rosa Tudor —un símbolo que anidó las rosas roja lancasteriana y blanca yorkista en guerra en lugar de fundirlas en un rosa diluido—\, sostengo que nuestro fracaso moderno en encontrar puntos en común es\, en parte\, un fracaso de la imaginación. Cuando exigimos un único símbolo dominante o buscamos un compromiso “morado”\, ¿acaso fallamos en hacer posible una visión de un futuro “anidado” en el que las identidades faccionales permanezcan visibles y respetadas dentro de un marco compartido? Este taller invita a los estudiantes a desentrañar símbolos de identidad (salvedad: excluyendo símbolos de odio o intolerancia) para aprender cómo podrían combinarlos visualmente de maneras que señalen la individualidad dentro de un todo colectivo. \nSession type: Design Your Own (DYO) session \nPresenters\n\nJennifer Rittner\, Assistant Professor\, Strategic Design & Management\, Parsons\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Foundation Studies as Virtual Multiplayer Studio
DESCRIPTION:Los estudios de fundamentos como taller virtual multijugador\n\nAbout this session\nWhat does it mean to build a studio community when students don’t share a physical space? This session presents a fully asynchronous\, remote foundations course that uses Figma as a unique studio environment — enabling dozens of students to work together in shared files that offer a sense of presence and collective making.  \nThe course centers each week on a Case Study: an artist or designer selected by peer faculty and introduced through interviews and conversations that distribute authorship and avoid a single arbiter of taste. Classic 2D design exercises are updated for digital contexts\, alongside novel Figma uses like annotated reading discussions\, narrative animations\, and nonlinear research presentations.  \nThe course takes a postmodern approach to the canon: deconstructing the hierarchies of craftwork\, interrogating cultural appropriation\, and foregrounding underrepresented voices across digital art and design history. By emphasizing the subjective nature of taste\, students are invited to locate themselves within a diverse and contested field. I’ll share my experience developing and teaching the course\, and offer practical tips for managing shared Figma workspaces at scale. \n  \n ¿Qué significa construir una comunidad de taller cuando los estudiantes no comparten un espacio físico? Esta sesión presenta un curso de fundamentos completamente asíncrono y remoto que utiliza Figma como un entorno de taller singular\, permitiendo que docenas de estudiantes trabajen juntos en archivos compartidos que ofrecen una sensación de presencia y creación colectiva. El curso se centra cada semana en un Estudio de Caso: un artista o diseñador seleccionado por docentes pares y presentado a través de entrevistas y conversaciones que distribuyen la autoría y evitan un único árbitro del gusto. Los ejercicios clásicos de diseño 2D se actualizan para contextos digitales\, junto con usos novedosos de Figma como discusiones de lectura anotadas\, animaciones narrativas y presentaciones de investigación no lineales. El curso adopta un enfoque posmoderno hacia el canon: deconstruyendo las jerarquías del oficio\, cuestionando la apropiación cultural y poniendo en primer plano voces subrepresentadas a lo largo de la historia del arte y el diseño digital. Al enfatizar la naturaleza subjetiva del gusto\, se invita a los estudiantes a ubicarse dentro de un campo diverso y disputado. Compartiré mi experiencia desarrollando e impartiendo el curso\, y ofreceré consejos prácticos para gestionar espacios de trabajo compartidos en Figma a gran escala. \nSession type: Case Study \nPresenters\n\nBenjamin Andrew\, Associate Teaching Professor\, Penn State University\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Access\, Creative Practice & Community Care
DESCRIPTION:Acceso\, práctica creativa y cuidado comunitario\n\nAbout this session\nGatekeeping is often built into structures of artistic opportunity. Even when there is a stated intention to expand access for people of color or low-income artists\, opportunities such as artist residencies are often rendered inaccessible through requirements of nominations\, fees\, or portfolios\, which all assume access to time\, resources\, industry connections and cultural capital. In this session\, four individuals from two partnering organizations will discuss a unique partnership between an access program situated within a US-based art & design college and a Mexico-based organization that supports the exchange of knowledge & ideas across disciplines\, cultures & geographies through residencies\, educational initiatives\, and public programs. The core of their conversation will be about their program-specific residency which aims to remove such barriers and is driven by the following questions: How might the access program’s community-based learning extend beyond graduation? What might these two communities learn from each other through their shared interest in decolonized arts practices? And what might the cultivation of meaningful relationship building across these two communities lead to? Finally\, participants will be invited to reflect on the communities they belong to and the opportunities for increased access within their reach. \n\n El gatekeeping (control del acceso) suele estar integrado en las estructuras de oportunidad artística. Incluso cuando existe una intención declarada de ampliar el acceso para artistas de color o de bajos ingresos\, oportunidades como las residencias artísticas suelen volverse inaccesibles debido a requisitos de nominación\, cuotas o portafolios\, todos los cuales presuponen acceso a tiempo\, recursos\, conexiones en la industria y capital cultural. En esta sesión\, cuatro personas de dos organizaciones asociadas conversarán sobre una alianza única entre un programa de acceso situado dentro de una universidad de arte y diseño con sede en Estados Unidos y una organización con sede en México que apoya el intercambio de conocimientos e ideas entre disciplinas\, culturas y geografías a través de residencias\, iniciativas educativas y programas públicos. El núcleo de su conversación girará en torno a su residencia específica del programa\, que busca eliminar dichas barreras y está guiada por las siguientes preguntas: ¿Cómo podría el aprendizaje basado en la comunidad del programa de acceso extenderse más allá de la graduación? ¿Qué podrían aprender estas dos comunidades una de la otra a través de su interés compartido en prácticas artísticas decoloniales? Y\, ¿a qué podría conducir el cultivo de una construcción de relaciones significativa entre estas dos comunidades? Finalmente\, se invitará a los participantes a reflexionar sobre las comunidades a las que pertenecen y las oportunidades de mayor acceso a su alcance. \nSession type: Design Your Own (Session) \nPresenters\n\nNadia Williams + Pocoapoco\, Associate Professor\, School of Design Strategies\, Parsons\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:La Pedagogía De La Mirada Lenta: enseñar atención en primer año
DESCRIPTION:The Pedagogy of Slow Looking: Teaching Attention in the First Year\nAbout this session\nEn contextos contemporáneos marcados por la aceleración de la experiencia visual y la fragmentación de la atención\, los estudiantes tienen cada vez más dificultades para sostener la atención visual en entornos visuales acelerados\, lo que afecta directamente los procesos de observación en el estudio. Esta presentación propone la “mirada lenta” como una metodología pedagógica transferible para fortalecer la atención perceptiva en estudiantes de primer año dentro de la educación en arte y diseño. A partir de prácticas derivadas del dibujo y la pintura\, se presentan tres estrategias aplicables en el aula: observación previa a la producción\, descripción antes de la representación y ejercicios de restricción perceptual centrados en valor\, color o continuidad de línea. Estas estrategias reorganizan la relación entre percepción\, lenguaje y acción dentro del aprendizaje en estudio. La propuesta se sitúa en diálogo con enfoques que entienden la percepción como experiencia encarnada (“embodied perception”) y el aprendizaje como proceso activo\, particularmente relevantes en entornos educativos contemporáneos atravesados por ritmos visuales acelerados. Más que un retorno a modelos tradicionales\, la mirada lenta se plantea como una herramienta pedagógica contemporánea para reconfigurar la atención como condición fundamental del aprendizaje en arte y diseño en distintos contextos educativos internacionales.\n  \nIn contemporary contexts marked by the acceleration of visual experience and the fragmentation of attention\, students increasingly struggle to sustain visual attention within accelerated visual environments\, which directly affects observation processes in the studio. This presentation proposes “slow looking” as a transferable pedagogical methodology for strengthening perceptual attention in first-year students within art and design education. Drawing on practices derived from drawing and painting\, three classroom-applicable strategies are presented: observation prior to production\, description before representation\, and perceptual-restriction exercises focused on value\, color\, or line continuity. These strategies reorganize the relationship between perception\, language\, and action within studio learning. The proposal engages in dialogue with approaches that understand perception as embodied experience and learning as an active process\, particularly relevant in contemporary educational environments shaped by accelerated visual rhythms. Rather than a return to traditional models\, slow looking is presented as a contemporary pedagogical tool for reconfiguring attention as a foundational condition for learning in art and design across different international educational contexts. \nSession type: Ponencia académica (Paper) \nPresenters\n\n  Paula Saneaux\, Artista Independiente (Independent Artist)\, \n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Feminist Design Archive: community-generated knowledge sharing + mini add-a-thon
DESCRIPTION:Archivo de Diseño Feminista: intercambio de conocimiento generado por la comunidad + mini add-a-thon\nAbout this session\nLaunched in 2024\, the Feminist Design Archive is an open-source\, community-generated digital archive that aims to document\, preserve and illuminate the work of feminist designers around the globe. Anyone can submit work to the archive in any format\, from any time period\, including their own work or the work of others. The archive encourages connection\, critical reflection\, and ongoing dialogue about how feminism is practiced through design today. This case study will describe the process of developing the archive\, the ways in which the archive reimagines traditional knowledge structures in design\, and the long-term objectives of the project. A mini-case study will also be presented that demonstrates ways in which online design archives can serve as catalysts for classroom assignments and projects\, and allow students to participate in knowledge-generation as well. Through dialogue with participants\, we will explore the digital archive as a collage of pluralistic\, overlapping\, conflicting\, and evolving ways of knowing and doing feminism through design. \n \nLanzado en 2024\, el Archivo de Diseño Feminista es un archivo digital de código abierto y generado por la comunidad que busca documentar\, preservar e iluminar el trabajo de diseñadoras y diseñadores feministas de todo el mundo. Cualquier persona puede enviar trabajos al archivo en cualquier formato y de cualquier período\, incluyendo su propio trabajo o el de otras personas. El archivo fomenta la conexión\, la reflexión crítica y el diálogo continuo sobre cómo se practica el feminismo a través del diseño en la actualidad. Este estudio de caso describirá el proceso de desarrollo del archivo\, las formas en que el archivo reimagina las estructuras de conocimiento tradicionales en el diseño\, y los objetivos a largo plazo del proyecto. También se presentará un mini estudio de caso que demuestra maneras en que los archivos de diseño en línea pueden servir como catalizadores para tareas y proyectos de clase\, y permitir que los estudiantes también participen en la generación de conocimiento. A través del diálogo con los participantes\, exploraremos el archivo digital como un collage de formas plurales\, superpuestas\, en conflicto y en evolución de conocer y practicar el feminismo a través del diseño \nSession type: Case Study \nPresenters\n\nAlison Place\,  Assistant Professor Educator\, University of Cincinnati\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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SUMMARY:Co-Imagining Dignity Through Making Across Continents
DESCRIPTION:Co-imaginar la dignidad a través del hacer entre continentes\n\nAbout this session\nThis workshop explores how dignity can be expressed in design through maximalism and minimalism\, not as a fixed concept\, but as something interpreted\, constructed\, and made tangible through form. Working in pairs\, participants will create abstract typographic compositions that examine how visual decisions communicate presence\, respect\, and value. Each pair produces two responses: one through accumulation\, density\, and layering\, and the other through reduction\, restraint\, and clarity. The focus is not on stylistic outcomes\, but on how elements such as space\, hierarchy\, tension\, repetition\, and composition generate meaning and inform the human experience of design. Through this process\, participants begin to understand dignity as embedded in design choices rather than ornamental representation. Grounded in the core values of the South Asian Design Educators Alliance (SADEA)\, particularly dignity and plurality\, the workshop centers on collective making and engages multiple modes of perception. It recognizes South Asian design as diverse and evolving\, formed by a plurality of voices and perspectives. By shifting attention from representation to construction\, the workshop encourages participants to build visual systems that carry conceptual weight while reflecting on how contrasting approaches can express dignity in distinct yet meaningful ways.\n  \nEste taller explora cómo la dignidad puede expresarse en el diseño a través del maximalismo y el minimalismo\, no como un concepto fijo\, sino como algo que se interpreta\, se construye y se hace tangible a través de la forma. Trabajando en parejas\, los participantes crearán composiciones tipográficas abstractas que examinan cómo las decisiones visuales comunican presencia\, respeto y valor. Cada pareja produce dos respuestas: una a través de la acumulación\, la densidad y la superposición\, y la otra a través de la reducción\, la contención y la claridad. El enfoque no está en los resultados estilísticos\, sino en cómo elementos como el espacio\, la jerarquía\, la tensión\, la repetición y la composición generan significado y dan forma a la experiencia humana del diseño. A través de este proceso\, los participantes comienzan a entender la dignidad como algo integrado en las decisiones de diseño más que como una representación ornamental. Fundamentado en los valores centrales de la Alianza de Educadores de Diseño del Sur de Asia (SADEA)\, en particular la dignidad y la pluralidad\, el taller se centra en la creación colectiva e involucra múltiples modos de percepción. Reconoce el diseño surasiático como diverso y en evolución\, formado por una pluralidad de voces y perspectivas. Al desplazar la atención de la representación hacia la construcción\, el taller anima a los participantes a construir sistemas visuales que aporten peso conceptual\, mientras reflexionan sobre cómo enfoques contrastantes pueden expresar la dignidad de maneras distintas pero significativas. \nSession type: Design Your Own (DYO) Session \nPresenters\n\nArchana Shekara & Amrita Datta Haughn\, Professor of Graphic Design\, Illinois State University\n\nTime listed is Dominican Republic time.
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